sábado, febrero 28, 2009

Pecado

Título original: Atonement
Traducción comercial: Expiación, deseo y pecado
Traducción: Expiación
Traducción alternativa: Como haya sido el título de la novela original (en este caso, Expiación)

Conclusión:
(Continúa)
La traducción respeta el original, pero además agrega dos términos más. Además, con poca suerte ya que el pecado es necesario para cualquier arrepentimiento. ¿Cuál era la necesidad?
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viernes, febrero 27, 2009

De gigante

Por diversión, a veces, los marineros cazan
algún albatros, grandes pájaros de los mares,
que siguen, indolentes compañeros de viaje,
al barco que navega sobre abismos amargos.

Ni bien los dejan sobre las planchas de cubierta,
esos reyes del cielo, torpes y avergonzados,
arrastran, lastimosos, sus grandes alas blancas
al costado del cuerpo, como si fueran remos.

¡Ese viajero alado, qué tosco ahora, y qué enclenque!
¡Tan bello hace un instante, qué feo y qué ridículo!
Para burlarse, uno le da a fumar en pipa;
otro, haciéndose el rengo, imita al que volaba.

El poeta es semejante al señor de las nubes,
que vive en la tormenta y se ríe del arquero;
exiliado en el suelo, abucheado por todos,
sus alas de gigante le impiden caminar.

*
(Continúa)

Charles Baudelaire: "El Albatros", en Las Flores del Mal


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Let in the unexpected

Reign over me, de Mike Binder


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jueves, febrero 26, 2009

L'Heure d'été (2008)

Efectiva

Dijo que eligiese cualquier cosa. No quería aprovecharme. Tomé una cosa corriente. ¿Qué haría yo con algo valioso?


La Unión Europea es un hecho que trasciende la geografía política. Cada vez resulta más difícil, en lo relativo a artes como el cine y la literatura, discernir la procedencia de una u otra obra. Tanto sus autores como sus personajes son de identidad heterogénea y cada vez más cosmopolitas, salvo aquellos que pueden darse el lujo de tener una villa campestre. Los lenguajes utilizados en las producciones simulan una Babel que no se dispersó después de la caída. Last but not least, el financimiento de estos emprendimientos se realiza, en todos los casos sin excepción, gracias a las empresas televisoras de una pléyade de países europeos.

Pero por sobre todo se vislumbra la presencia de unos tópicos discursivos que reemplazan (o que discuten) los viejos espacios sobre la identidad nacional. En una cátedra de literatura alemana se mencionan los mismos que en un curso de cine francés. Estos son: la prolongación de la juventud, la visión de los nietos de la guerra, la desaparición de las grandes familias pero también la disolución de las familias nucleares, la consiguiente falta de viviendas, el fetichismo de los objetos, la drogadicción, la consiguiente ruta del tráfico ilegal, las multinacionales y los supranacionales, los nietos de las colonias, los emigrados en definitiva. Para los franceses son los argelinos y para los alemanes son los turcos; cambian los nombres pero el proceso es el mismo.
(Continúa)
L’ Heure… es francesa pero por empecinamiento. Gran parte del film está en inglés. La actriz principal, que no es protagónica salvo en los créditos, es ícono de Francia en los Estados Unidos. Su argumento intenta reflejar estas circunstancias y lo consigue; se puede resumir en “con el final de un matriarcado la familia se dispersa, geográfica y generacionalmente”. El centro del que se aleja es la casona familiar, cuyo destino no podía ser otro que ser vendida, como los propios hermanos pero por sus trabajos. Es tan paradigmático como poco original, sin una cohesión narrativa más que por el paso del tiempo. La belleza que pudiera encontrarse en el paisaje resultante no se destaca. El título menciona un verano, pero ni el pasado ni el presente ni el futuro intentan ocupar ese lugar brillante.

El único cambio que sí posee cierta trascedencia tiene que ver con los objetos pertenecientes a la casona. Ya muertos sus dueños, artistas y coleccionistas de otros artistas, son rescatados por curadores del museo nacional. Fuera de la cotidianeidad recuperan su aura o la pierden, el resultado es ambiguo. La anteúltima escena, en el museo, tiene la belleza que no tiene el resto de la película. Será por volver explícita al fin la impersonalidad de las relaciones, entre objetos y personas, personas y personas, objetos y objetos.


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miércoles, febrero 25, 2009

Boss

(Continúa)


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2 Top 5

Los 5 mejores títulos con el nombre del personaje

5. The Royal Tenenbaums
4. Donnie Darko
3. The Assassination of Jesse James by the Coward Robert Ford
2. Amadeus
(Continúa)
1. Being John Malkovich


5) La personalidad inolvidable de Royal Tenenbaum afecta a todos los miembros de su familia y la forma inglesa de referirse a ésta incluyendo el nombre del patriarca es más pertinente que nunca; 4) Donnie Darko? What the hell kind of name is that? It's like some sort of superhero or something?; 3) un título tan directo que Brad Pitt se negaba a filmarla si se lo cambiaban; 2) Proveniente de la obra original de Peter Shaffer, también responsable del guión, utiliza el segundo nombre del ¿protagonista? para explicar mediante su
etimología (el "Amado por Dios") la diferencia innata entre él y Salieri; 1) Tan inexplicable como efectivo.

Quedaron afuera:

The Big Lebowski, V for Vendetta, Rebecca, Kill Bill, Sen y la misteriosa desaparición de Chihiro


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martes, febrero 24, 2009

How to Lose Friends & Alienate People (2008)

Está bien

I especially liked the part where Clint Eastwood beat the shit out of you.


La película tiene dos méritos: el título y haber descubierto a Megan Fox. Pero 1) es una adaptación de una novela con el mismo título, que no se justifica en pantalla; y 2) Transfomers se estrenó antes y Fox fue su estrella, aún cuando fue filmada después. ¿Qué le queda entonces?

La clave se encuentra en el detalle que la sinopsis oculta: no se trata de un redactor en una revista, sino de un redactor en una revista de chimentos. La diferencia es ni más ni menos la que existe entre una comedia inteligente y esta película. No proclamo que un tema bajo signifique baja calidad, pero esta vez es acorde. La inscripción como comedia no es una justificación para la banalidad. Su única escena realmente graciosa, el trailer apócrifo de una película sobre la Madre Teresa, es efectiva porque es breve. Pero How to lose… es igual de absurda en toda su longitud y menos sincera.
(Continúa)
Pasado el desencanto inicial, intenta mantenerse dentro de la decencia gracias al carisma de sus actores protagonistas. La colección de accidentes patéticos y la falta de una profunidad que se encuentra incluso en las comedias aceptables la hunde de a poco. El caso más notorio es el personaje de la chica escritora: si escribe tal como vive, su novela debe ser simplísima. Bien podría quemarse el único ejemplar que ni a ella le importaría.

Más allá de cualquier consideración, una película sea cual sea su género debe ser verosímil; si no lo es, el público no compra. Si querían hacer verosímil el final, deberían haber elegido a otra actriz. ¿A quién se le ocurre dejar a Megan Fox?


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The audience sympathy

Rourke needed to play people like that. His star quality was so intense that it could not be submerged or ignored; it had to be utilized and acknowledged in whatever role he was playing. Marlon Brando had the same thing. It is difficult to cast these men properly. It is difficult to place them in a context. Their force of personality tends to take over the story, whether that is right for the project or not. Elia Kazan tells stories of how troubled he was during rehearsals for the Broadway production of Streetcar Named Desire with Brando as Stanley and Jessica Tandy as Blanche. He knew that the audience sympathy should reside with Blanche, but Brando's power made him undeniably the focus of the entire production, and audiences started to "side" with Stanley. They cheered when he raped Blanche. It upset Brando, too, because he felt that men like Stanley were why the world was such a horrible place, but he couldn't help what he was doing up on that stage. He simply entered a scene, saying nothing, and couldn't help but pull all of the attention his way. That kind of magnetism cannot be easily explained, but, like pornography, you know it when you see it. It cannot be faked.

la nota completa, acá


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lunes, febrero 23, 2009

Copos de nieve



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domingo, febrero 22, 2009

El Pornógrafo (2005)

El Pornógrafo, de Juan Terranova (1975 – )




¿Se puede hablar de una literatura “joven”? No sé. ¿Se habla de una literatura “joven”? Sí.

Quizás no sea rigurosa, pero como definición es efectiva. Usualmente el calificativo se opone a “maduro”, debido al exhibicionismo que suelen tener los adolescentes en pos de mostrar sus obras, que resulta una vidriera donde ofrecen sus errores; errar es humano, ergo es vendible de todas formas. Pero cada tanto (¿en qué bisagras, en qué diásporas de dónde?) “joven” deja de significar “imprudente” y pasa a, arbitrariamente, asumir la renovación. Más que virtudes propias, la palabra señala falencias ajenas. No es que estos escritores sean jóvenes, es que los demás ya se volvieron viejos.

El Pornógrafo es una novela con una impronta definida: la certeza que sólo alguien joven pudo haberla escrito. No es sorpresivo que asuma de facto un lugar cómodo, sino destacado, en la llamada nueva narrativa argentina, en la más nueva. Por la misma razón tampoco hay que sorprenderse al descubrir que no es magistral (que al fin y al cabo es un adjetivo propio de las figuras de autoridad, aquello que los jóvenes por definición no son). Cuando un campo está agotado, la idea que lo renueva no necesita ser brillante. Ni siquiera necesita ser una idea; en este caso es más bien un un ámbito (o una entonación) diferente.
(Continúa)
Queda la impresión, imposible de comprobar aún, que la "nueva narrativa" puede darse el lujo de ser superficial. Si presenta valores no lo hace para comprometerse a ellos, sino porque ya están ahí. La nueva narrativa argentina funciona como el humor negro: la desenvoltura para hacer el chiste; pero junto al reconocimiento de una ética que se vulnera. Que no importa vulnerar... al menos de palabra.

En ese cardumen inexacto se mueve El Pornógrafo. Lo hace aleteando a través de uno de los pocos tópicos que nuclean a toda la generación: hablar de sexo. Que no es lo mismo que hacer el sexo. Lo asume siendo una novela dialogal, pero con trampa: los dos protagonistas no hablan, sino que chatean, por tanto escriben. No obstante, sorprende la falta de convenciones propias del chat; en consecuencia, la innovación pierde al semejar una conversación telefónica. La pornografía es una tecnología, que puede referirse tanto a la de la imagen como a la de la escritura. Tampoco es una obra de teatro leída porque no necesita ni siquiera la ilusión de la performance; el diálogo como coito, tema que el autor también desarrolla en su cuento Pornopunk, ubicado en la verdadera patria de la nueva narrativa: internet.

Claro que hay muchos tipos de pornografía, muy distintos entre sí. Terranova elige la profesional. Los personajes se introducen en ese ámbito desde afuera, aunque sus profesiones sean parientes del porno: fotógrafo y ginecólogo. Hay otra categoría que aplica: en Pornopunk, se rescata de la red la etiqueta del “sexo teenager”. En El Pornógrafo podría ser utilizada, porque corre por ese borde. Los protagonistas, el "autor", la entonación son teenagers que, para el final del libro y de la década, se convierten en adultos. No por prudentes o magistrales, sino por maduros. Esto implica, fundamentalmente, que la novela se termine focalizando no en la pornografía sino en el amor. Mientras que en la realidad sobra la pornografía y falta el amor, en la ficción sobra el amor y falta la pornografía.


A pluma o a máquina, así escribe

- Ahí fue ella la que me salvó porque me preguntó si había ido solo, y yo le conté de vos.
- ¿Y qué le dijiste?
- Le dije que eras fotógrafo profesional y la mina se enganchó, le conté del diario, de que ibas a exponer en una galería muy prestigiosa.
- Mhm… Qué bolazo.
- Bueno, fotógrafo sos.
- Dale ¿y qué más?
- Le dije que estabas preparando una serie de desnudos.
- ¿Yo?
- Sí, y para calentar un poco a cosa, como si no me importara, le conté que habías estado trabajando con una modelo.
- ¿Yo? No…
- Y le dije que había habido una relación muy fuerte, porque vos te habías enganchado con ella por el lado artístico, y ella también…
- Qué facilidad para la mentira oprobiosa.


Lecturas relacionadas (de todo tipo y factor)

Juan Terranova (comp.): Buenos Aires escala 1:1
Diego Grillo Trubba (comp.): En celo

Pedro Mairal: Una noche con Sabrina Love
Ramón Paz: Pornosonetos (Vol 1, 2 y 3)

Mempo Gardinelli y Graciela Gliemmo (comp.): La Venus de Papel
Masakazu Katsura: Video Girl Ai
Dominique Maingueneau: La literatura pornográfica


Y si lo que te gusta es el cine

Rapado, de Martín Retjman
Tape, de Richard Linklater
Chasing Amy y Zack and Miri Make a Porno, de Kevin Smith



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sábado, febrero 21, 2009

Found in translation

Suele considerarse que las adaptaciones de libros (sean novelas, obras de teatro, historietas, cuentos cortos alargados) son el síntoma más claro de la falta de ideas en la industria del cine. No obstante, esta opinión generalizada deja de lado un factor más importante: como toda industria, necesita estar en contínuo movimiento; por más abundante que sea la provisión de nuevas ideas, el mecanismo de producción va a echar mano de cualquier otro material que le sirva de combustible. En la Argentina, por ejemplo, se estrenan cerca de trescientas películas por año. ¿Cómo satisfacer este estómago sino intercalando comidas de diferente calidad? De la misma manera los periódicos tienen que presentar sus titulares día tras día; quizás si sólo saliera un periódico por mes las notas que lograran filtrarse serían sólo aquellas que realmente son ineludibles.

Ahora bien, aún cuando existiera una mayor racionalización de los recursos (gracias a una crisis financiera), tampoco así los estudios estarían obligados a utilizar ideas originales para sus pocos proyectos. De hecho ni siquiera estarían obligados a aspirar a la excelencia, sino a satisfacer al público que los consume. ¿Acaso en tiempos de escasez el hombre no se contenta con alimentos de menor calidad? Se podría afirmar que tampoco una producción más acotada devendría en películas más originales; ergo, las adaptaciones no se producen por falta de ideas.
(Continúa)
Los productores de los estudios no sólo apuestan a lo más seguro que pueden (lo seguro a toda prueba no existe) cuando elijen un libro exitoso; también apuestan a la ignorancia del público.

Sí se puede explicar el fenómeno de las adpataciones al considerar que la mayoría de los espectadores no son lectores del libro previo, a raíz de las diferentes llegadas que tienen ambas industrias. La diferencia entre guión original y guión adaptado es tramposa, no sólo por cuestiones esenciales del traslado de un medio a otro, sino porque para la mayoría de los espectadores el guión siempre va a ser original. Dicen que Hitchcock compró todos los ejemplares que pudo de la novela Psycho para conservar lo más posible el final de su película en secreto. Eso no sólo era posible porque no existía la internet, sino por diferencias con el modo actual de promoción de libros. No obstante entonces y ahora era innecesario: aunque todos esos ejemplares hubieran sido comprados, el secreto estaba a salvo para la masividad del cine.


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Daydream

Título original: La science des rêves
Traducción comercial: Soñando despierto
Traducción: La ciencia de los sueños
Traducción alternativa: -

Conclusión:
(Continúa)
La traducción no respeta el original: no sólo altera la estructura sino que omite la palabra "ciencia". ¡Mencionar la palabra "sueño" no es suficiente!
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viernes, febrero 20, 2009

Welcome to a world without rules

The Dark Knight, de Cristopher Nolan


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The value of a good thick book

Someone who spent his life living rough under the sky knew the value of a good thick book, which ought to outlast at least a season of cooking fires if you were careful how you tore the pages out. Many a life had been saved on a snowy night by a handful of sodden kindling and a really dry book. If you felt like a smoke and couldn't find a pipe, a book was your man every time.
*

(Continúa)
Terry Pratchett: Discworld 2 - The Light Fantastic


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jueves, febrero 19, 2009

The Duchess (2008)

Muy interesante

How wonderful to be that free.

Los llamados géneros en el cine son más volubles que en otras artes, quizás por la necesidad de clasificar los estantes de un videoclub. Los libros, por ejemplo, suelen ser categorizados de forma más amplia con un par de viejas y buenas etiquetas, quizás para evitar discusiones bizantinas; en cambio las películas suelen crear géneros tan inmediatos como descartables.Por supuesto que los libros también se clasifican con fervor, pero por los académicos, mientras que las películas lo son por el mismo público: un fenómeno que se produce en la medida en que no existe un academicisimo en el cine como sí existe en literatura. Cuando se trata de películas, todo el mundo siente que tiene el derecho a opinar y son pocos los que niegan este derecho.


De este modo, cada tanto se crea o se rescata un género menor o subgénero, muchas veces ligado más a la ambientación que al tipo de narración. Entre éstos se pueden citar el western, el espadas y sandalias, la road movie; en este caso las películas de época, usualmente dedicadas a retratar a la siempre elegante clase alta. De Keira Knightley se dice que es buena actriz, pero mejor cuando tiene un corset puesto (no en vano: se rumorea que va a protagonizar una remake de My Fair Lady). La moda, como tecnología, es un elemento imprescindible de los géneros: es lo que separa un western de una space opera. Una película de horror con todos los personajes vestidos de samurai sigue siendo una película de samurais.
(Continúa)
De regreso con Keira Knightley y las películas sobre la aristocracia, existe el riesgo que se apoyen más en el despliegue visual que en los demás aspectos; cuando eso sucede, a diferencia de otros sugéneros, no es un desperdicio total. The Duchess no tiene el mejor guión del mundo, pero además de bien vestida está bien actuada. La actuación de Ralph Fiennes, llena de sutilezas, no es para nada sorprendente. La infelicidad marital está desgastada de tantas películas, como una prenda demasiado lavada; en cambio sí es más fresco la convivencia entre los tres personajes principales, con un final donde como nobles que son comen perdices... dentro de lo posible.

Quizás el mayor problema de la película sea su marketing: como otras películas de época, los productores intentan trazar un correlato con el presente que es absolutamente innecesario, al menos en la manera que The Duchess es desarrollada. Es curioso, sí, el paralelismo con Lady Di, pero es sólo eso. La profundidad que adquiere con respecto a los hijos no tiene que ver esencialmente con Lady Di, sino con una Medea fallida. Pero el afán de compararla llevó a presentar a la duquesa como una mujer adelantada a su tiempo y revolucionaria en las costumbres (todo lo revolucionario que puede ser una noble). Más allá de establecerse como generadora de discurso (tanto en la política como en la moda), no ahonda en estos roles sino que luego se ven disminuidos en pos de enfocarse en su matrimonio. Esto no es culpa de la película, que no miente y da lo que ofrece, pero sí de sus distribuidores. Deben haber previsto que es más difícil venderla cuando trata del amor de un duque por sus perros.



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miércoles, febrero 18, 2009

1 Top 5

5 personajes que te gustaría que fueran tus abogados

5. Michael Clayton (George Clooney en Michael Clayton)
4. Jim Garrison (Kevin Costner en JFK)
3. Martin Vail (Richard Gere en Primal Fear)
2. Atticus Finch (Gregory Peck en To kill a mockingbird)
(Continúa)
1. Jurado # 8 (Henry Fonda en 12 angry men)


5) El abogado que hay que comprar para ganar un caso; 4) Te convence cuando en su alegato final mira a la cámara, ya no al jurado; 3) Es importante estar convencido de tu trabajo; 2) No en vano representa la figura paterna en Vanilla Sky; 1) El único no abogado de toda la lista, el mejor de todos.

Quedaron afuera:

Kevin Lomax (Keanu Reeves en The Devil's Advocate), Daniel Kaffee (Tom Cruise en A few good men), Harvey Dent (Aaron Eckhart en The Dark Kinght), Alan Isaacman (Edward Norton en The People vs Larry Flynt)


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martes, febrero 17, 2009

Hook (1991)

Pochoclo

What would the world be like without Captain Hook?

Revisitar películas que forman parte de la infancia suele resultar en la decepción o en la felicidad que no conoce evaluaciones. Otros casos, los menos, pueden sobrevivir al juicio crítico, sin perder el entusiasmo que el niño conoció; pero no por eso se ocultan sus limitaciones.

Hook puede ser fácilmente uno de estos casos intermedios. Como el título en el que se basa, la noción del “adolescente eterno” repercute en la de “espectador”: si bien está dirigida al público infantil, asimismo puede dirigirse a los mayores que acompañan a los hijos a las salas de cine. Los libros de Peter Pan forman parte de la tríada (junto a El mago de Oz y Alicia) de clásicos infantiles que son más leídos por los adultos que por niños. Con este precedente literario, la dirección de alguien como Spielberg puede fácilmente apuntar (dirigir) en esta doble orientación. La premisa central refuerza este propósito en cuanto ubica al protagonista desde la adultez, donde a semejanza de los libros, difiere mucho de la madurez.
(Continúa)
Sin embargo sólo en las mejores obras todos los objetivos se cumplen (junto con otros no esperados). Suele suceder que las intenciones son superadas por las circunstancias; al considerar que la película se llama “Hook” este hecho es visible. ¿Por qué el título, sino para focalizar la historia en el villano? No como apología, sino como mejor representante del mundo de los adultos. No en vano en las obras de teatro originales el actor que hacía del capitán Garfio solía ser el mismo que el del padre de Wendy. La película brilla entonces cuando se dedica al paso del tiempo: Wendy como una anciana abandonada en pos de su versión más joven, Garfio como un viejo agotado cuya peluca no esconde más que calvicie.

La angnórosis de Peter requiere de un conflicto que no está de la mejor forma encarado. La noción de la muerte es inconsistente, como si no terminara de decidirse hasta qué punto unos chicos armados con latas de pintura pueden defenderse de las más reales espadas piratas. En el papel o en la animación las reglas pueden ser más permisivas, pero en el cine las espadas suelen ser más mortíferas y eso es exactamente lo que sucede. La doble orientación al público se convierte en un enemigo de sus propias posibilidades, cuando deja tan en claro que su mayor potencial está en su punto de vista adulto (definida la adultez como el reconocimiento de la vejez y la muerte… quién mejor que un crecido Peter Pan para indagar en este tópico, la zona "Garfio" del mundo).

Pero Peter Pan y el Capitán Garfio están prestados de la literatura infantil, sea lo que sea. La película, pese a sus estilizaciones, también pertenece a esta partición genérica. No sólo se prestan los personajes sino también el entusiasmo. Aún así, es natural que se la disfrute más siendo niño: los adultos son especialistas en encontrar defectos.


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lunes, febrero 16, 2009

Numbers



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A winter prediction

Phil: You want a prediction about the weather, you're asking the wrong Phil. I'll give you a winter prediction: It's gonna be cold, it's gonna be grey, and it's gonna last you for the rest of your life.
*
(Continúa)
Groundhog Day
guión de Danny Rubin y Harold Ramis


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domingo, febrero 15, 2009

Martian Chronicles (1950)

Crónicas Marcianas, de Ray Bradbury (1920 - )




La televisión logró lo que las escuelas secundarias fallaron. Por ejemplo: las películas de vaqueros, con Clint Eastwood de por medio. Gracias a esto, desde chicos conocemos el mito del Oeste norteamericano. La gran enciclopedia del cine nos muestra las premisas básicas: los indios, los vaqueros, los revólver, la fiebre del oro, el desierto. Entonces el Oeste era en California, pero sólo durante esa época histórica.

Como muchas palabras, el significado de la palabra "oeste" es referencial. Durante mucho tiempo, el Oeste fue la civilización europea, en oposición a la asiática o africana. Durante Luego de Colón, el Oeste era América. Un poco más tarde, durante el siglo XVIII, el Oeste era la costa Este de los Estados Unidos. Esto es porque la visión era desde Europa. Una vez en el continente americano, cuando ya las ciudades estaban llenas de inmigrantes, era necesario seguir avanzando hacia el Océano Pacífico. Ahí es donde se ubican las películas de vaqueros. Pero llegó un día en que California ya está superpoblada, especialmente en Los Ángeles. ¿Cuál debía ser el nuevo Oeste, una vez que la frontera ya había sido traspasada? La respuesta es obvia: el espacio exterior.
(Continúa)
Crónicas Marcianas trata acerca de la colonización de Marte por la potencia norteamericana. Uso el plural porque, como se expresa desde el título, no es una única narración sino una serie de relatos, entrelazados por un hilo delgado, lo que llevó a su autor (criado desde los trece años en Los Ángeles, casualmente) a calificarla como "prima de una novela". La escritura de estos relatos culminó en su publicación en un único volumen en 1950, justo al comenzar la Guerra Fría. Durante este conflicto, bélico y cultural, se desarrolló la Carrera Espacial, que culminó en el aterrizaje en la Luna, casi veinte años después del libro de Bradbury.
Si se llaman "crónicas", es porque son narraciones que se configuran como supuestos eventos históricos, de una línea temporal que aún no ha sucedido. Pero quizás, en este caso, su genialidad no es la anticipación del futuro, sino la reformulación creativa del proceso de colonización de los Estados Unidos. Los marcianos tienen muchos puntos de semejanza con los indígenas, en particular su cercanía con la naturaleza; los terrícolas son, queriéndolo o no, depredadores de un mundo tan rico como frágil. Cada cuento es memorable, por diferentes causas. Al final, quien termina siendo protagonista es el territorio y su geografía: todo colonizador es momentáneo, y sólo sobrevive en crónicas.

A pluma o a máquina, así escribe

“It wouldn’t be right, the first night on Mars, to make a loud noise, to introduce a strange, silly bright thing like a stove. It would be a kind of imported blasphemy. There’d be time for that later; time to throw condensed-milk cans in the proud Martian canals; time for copies of the New York Times to blow and caper and rustle against the lone gray Martian sea bottoms; time for banana peels and picnic papers in the fluted, delicate ruins of the old Martian valley towns. Plenty of time to that. And he gave a small inward shiver at the thought.”

Lecturas relacionadas (de todo tipo y factor)

H.G. Wells: The Time Machine
Úrsula K. Le Guin: The Dispossessed
Liliana Bodoc: La saga de los Confines
H.D. Thoreau: Walden
Cormac McCarthy: The road

Y si lo que te gusta es el cine

The thin red line, de Terrence Mallick
Star Trek, de Gene Roddenberry
Lawrence of Arabia, de David Lean



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sábado, febrero 14, 2009

Of Mice and Rats and Men


Cuando Pixar surgió con su
Toy Story, no tuvo rivales. Era el año 1995.
Tres años después el campo de la animación se equilibró cuando salió Antz de Dreamworks, un 2 de octubre; pero el 25 de noviembre se estrenó A Bug's Life de Pixar. Ambas tratan de una hormiga antiheroica (es natural: siguen siendo hormigas) que busca salvar a su comunidad. Que Antz, como las siguientes del mismo estudio, tenga como destinatario un público más adulto es un detalle irrisorio; las diferencias cualitativas en cuanto a la animación también.
Según como consta en la producción de ambas películas, el proyecto de A Bug's Life comenzó antes. Si hubiera sido cualquier otro animal el protagonista de Antz, no habría habido problema. Pero las hormigas deben ser muy cool, porque los seres humanos se pelearon por ellas. En adelante, cada un par de años (entre los cuales estrenan las secuelas de sus éxitos), lanzan proyectos con similitudes temáticas, como para que el público pueda comparar cuál de los dos estudios la tiene más clara.
(Continúa)
Cuando se estrena en estos comienzos del 2009 The Tale of Desperaux, la fábula de un ratoncito en un país amante de la buena cocina, inmediatamente se la encuadra en esta disputa, con el recuerdo aún fresco de Ratatouille. Incluso la propia película lo hace, al afirmar en las primeras líneas: "And anyone who knows something, knows that is a big difference between a mouse and a rat".

El problema de esta asociación es que Desperaux ni siquiera es de Dreamworks; en realidad es de los estudios Universal. No obstante, parece haber sido olvidado que un año antes de Ratatouille Dreamworks había estrenado una película con una rata como protagonista: Flushed Away. Desde hace unos años los estudios que se dedican a la animación también se dedican a estrenar películas similares (sobre todo animales: marinos, monstruos, aves, salvajes del bosque o de la selva, pingüinos, roedores) durante el transcurso de un año. Mientras que el origen de la pelea entre Dreamworks y Pixar parece haber sido una cuestión personal, esta competencia (donde se agregan Universal, Sony y Fox) no parece ser más que una coincidencia. Eso, o que los jefes de los estudios para año nuevo en vez de realizar una fiesta de disfraces temática deciden hacer una serie de películas temática.
Deben ser todos muy buenos amigos.

A Bug's Life
vs Antz
Finding Nemo vs Shark Tale
Monster Inc. vs Shrek
Chicken Little vs Valiant
Madagascar vs The Wild
Open Season vs Over the Hedge
Happy Feet
vs Surf's Up vs los pingüinos de Madagascar
Flushed Away vs Ratatouille vs The Tale of Desperaux


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Espíritu de la época

Título original: Revolutionary Road
Traducción comercial: Sólo un sueño
Traducción: Camino Revolucionario
Traducción alternativa: Calle Revolutionary

Sobre el título:
(continúa)
En palabras del autor de la novela original:
"I think I meant it more as an indictment of American life in the 1950s. Because during the Fifties there was a general lust for conformity all over this country, by no means only in the suburbs — a kind of blind, desperate clinging to safety and security at any price, as exemplified politically in the Eisenhower administration and the Joe McCarthy witchhunts. Anyway, a great many Americans were deeply disturbed by all that — felt it to be an outright betrayal of our best and bravest revolutionary spirit — and that was the spirit I tried to embody in the character of April Wheeler. I meant the title to suggest that the revolutionary road of 1776 had come to something very much like a dead end in the Fifties."

Conclusión:
La traducción no respeta el original; incluso más: revela el tono del final de la película.
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jueves, febrero 12, 2009

The Assassination of Jesse James by the Coward Robert Ford (2007)

Asombrosa

By his own approximation, Bob assassinated Jesse James over 800 times. He suspected no one in history had ever so often or so publicly recapitulated an act of betrayal.

La película trabaja con el tema de los doppegängers, los dobles o semajantes de cada persona. En la tradición pueden tomarse como malos presagios, y Jesse James, tan sensible a lo que va ocurriendo a su alrededor, debe sentir lo mismo, ya no por supersitición sino por astucia. Por supuesto, su doble es Robert Ford. En determinado momento del film éste explica la serie de coincidencias que, aparentamente, une sus destinos, así como el asesinato los unirá después. Robert Ford no quiere ser como Jesse James, sino ser él mismo Jesse James. Lo imita, en hechos y estilo. Incluso al momento de su muerte lleva un sombrero hongo como su figura paterna. Cuando le preguntan por qué lo mató, podría responderse así: dada la imposibilidad de ser él, debo eliminarlo.
(continúa)
En un proceso dialéctico, Bob Ford es la antítesis mediocre de una gran tesis. Lo que finalmente desencadena este intento de superación dialéctica es que Jesse James deja vislumbrar que ya no quiere ser lo que está siendo. De modo que deja sus armas y se pone de espaldas. Jesse James iba a ser matado por Robert Ford. No sólo lo sabía, lo permitió.

A Borges le hubiera gustado esta película, si el tiempo y la ceguera no hubiesen sido tan inexorables. Jesse James es un personaje shakesperiano, así son sus diálogos y su carácter. Y él es un (otro) Julio César, y Robert Ford su Marco Bruto: otro que quería recibir aplausos y ser recompensado. César sabe que va a ser asesinado, pero no obstante sigue su camino. Así es la trama: y el pueblo, en la repetición constante de esta escena, elije (¿por qué?) bautizar a sus hijos con el nombre del asesinado. Robert Ford se vuelve sinónimo de cobarde, y Bruto una palabra peyorativa.
El escritor inglés escribió “¿Cuántas veces en escena sangrará César, ése que ahora yace en la base de la estatua de Pompeyo, no más valioso que el polvo?”. Polvo como el que flotaba en la habitación donde Robert Ford hizo sangrar en escena a su César, tantas veces.
El escritor argentino escribió:

“La trama

Para que su horror sea perfecto, César, acosado al pie de la estatua por lo impacientes puñales de sus amigos, descubre entre las caras y los aceros la de Marco Bruto, su protegido, acaso su hijo, y ya no se defiende y exclama: ¡Tú también, hijo mío! Shakespeare y Quevedo recogen el patético grito.
Al destino le agradan las repeticiones, las variantes, las simetrías; diecinueve siglos después, en el sur de la provincia de Buenos Aires, un gaucho es agredido por otros gauchos y, al caer, reconoce a un ahijado suyo y le dice con mansa reconvención y lenta sorpresa (estas palabras hay que oírlas, no leerlas): ¡Pero, che! Lo matan y no sabe que muere para que se repita una escena.”


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Sobre la Calificación Genérica

1. Pésima
2. Mediocre
3. Está bien
4. Efectiva
5. Interesante
6. Pochoclo
7. Muy Interesante
8. Super Pochoclo
9. Asombrosa
10. Élite

La clasificación usada en este blog no es ni ascendente ni descendente del todo. Si bien la numeración expresa innegables grados de calidad, al mismo tiempo se intenta diferenciar objetivos.Las categorías "Pochoclo" y "Super Pochoclo" suelen contener obras pasatistas; "Muy Interesante" y "Asombrosa" abarcan una gama más comprometida. Como disfrutar una obra no tiene que ver necesariamente con la profundidad, la separación es más génerica que cualitativa.
La excepción se encuentra en los extremos: sólo las peores y mejores obras pueden considerarse más allá de los géneros, por lo que "Pésima" y "Élite" son categorías del todo cualitativas.


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Simulemos que este blog está abierto desde siempre.
Los comienzos son opuestos a la idea de continuidad.

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